Vías de Escape

2005-12-05T02:01:00.000+01:00

http://vostokuno.blogspot.com

2005-11-17T23:45:00.000+01:00

Siguiendo en esta línea tan original de ilustrar esta especie de serie no proclamada, llegamos al segundo álbum de los Banshees... con todo lo que conlleva ese supuesto fenómeno del "Sophomore Slump"...

Centrémonos; aún sin singles en potencia, la calidad de The Scream fue suficiente para consolidar en cierta forma al grupo dentro de una curiosa posición; punks que juegan a trascender los ya demasiado rígidos principios del género, pero dependiendo más en la mística de su líder que en el sentido del riesgo de sus contemporáneos. Así que resulta lógico pensar que la banda debiera ir haciéndose a la idea de concordar más con su líder que con un género concreto.. como así acaba siendo; abandonan los últimos resquicios de punk en su sonido para sofisticarse, eso sí, en la medida de sus grandes limitaciones. Aún habría que esperar a su siguiente trabajo para ver a Siouxsie con una banda a su altura, pero ya es suficiente como para que algunas de sus letras, más sugestivas que directamente agresivas, empiecen finalmente a encajar en el repertorio de la banda.

Join Hands es un inmenso paso adelante frente a The Scream, de eso no hay duda; sin depender de la tecnología o la discoteca, tan imperante en contemporáneos como Gary Numan o los propios PiL, Siouxsie abría nuevas sendas, bastante más tétricas y viscerales que las antes mencionadas. Sin embargo, es un disco con una cojera demasiado evidente como para alcanzar el estatus de clásico que sí tiene su predecesor, o en su línea, In the Flat Field; y es que entre estas grandes ambiciones, lo que falla en el álbum es algo tan básico como las canciones. Icon es posiblemente lo mejor que hicieron en su era pre-Budgie, pero más allá de las interesantes Premature Burial o Regal Zone, hay poco que destacar individualmente. Algo que no se les escapaba a PiL era enganchar al oyente, si no con una melodía, sí con un ritmo lo suficientemente malsano y mutante, mientras la ¿bienintencionada? banda de Siouxsie se dedica a introducir decibelios en canciones que no los necesitaban especialmente, como Playground Twist; o la propia Siouxsie, que pretende experimentar con una caja de música con resultados para nada siniestros (que uno quiere suponer era la intención).

Cierra la kilométrica The Lord's Prayer. Si Switch miraba al futuro de la banda, aquí el cierre parece echar un vistazo al pasado (fue el primer tema que tocó el grupo) quizá por necesidad de completar el álbum de alguna forma. Sin embargo, no deja de definir bastante bien ante lo que estamos: un inmenso -y para qué negarlo, entretenido- batiburrillo de ideas por eclosionar (Placebo Effect, por ejemplo, es una canción a medio hacer; lo mismo con Mother, a la que, después de todo, podía sacársele algún partido) Así que dado el error cometido por el grupo al lanzar este album -finalizado demasiado pronto como para igualar el estatus del debut de Bauhaus-, por lo menos nos queda un documento de la desintegración de los primeros Banshees, y un amplio -aunque quizá no tan obvio en su momento- vistazo a lo que estaba por llegar bien pronto..

Siouxsie and the Banshees - Join Hands
Polydor, 1979

2005-11-15T23:21:00.000+01:00

En contraposición a Mi Tío de América, aquí hay que olvidarse del entorno y de todo realismo, aunque no deje de ser un nuevo experimento con seres humanos de cobayas... si antes estaba el colchón del melodrama, ahora Resnais y Gruault nos piden dar un pequeño paso por nosotros mismos para introducirnos en su mundo. O mejor dicho, en 3: un cuento medieval, una tragedia de entreguerras y una ópera bufa en la actualidad, girando sobre todas ellas una cuestión: ¿es la vida una novela, como decía Napoleón?

Eso parece querer probarse en ambos relatos, que tienen en común la aspiración de llegar a los ideales. Qué mejor lugar para ello que un palacio modernista, casi irreal, apartado del resto de la civilización, deben pensar. Para qué negarlo, a todos nos gustaría poder introducir nuestra vida en una probeta y eliminar elementos molestos (como el estupendo que se levanta a "la" compañera de clase), buscando una armonía total; claro que nuestra idea de armonía no tendrá por qué ser compartida por lo demás, o siquiera respetada; no es suficiente con sacar a los hombres de su entorno, el entorno está demasiado ligado a ellos como para que la solución fuese tan "sencilla". Así, fuera de los dos ejes que mueven el filme (Michel y Élisabeth, ambos animales heridos poniendo en juego sus últimos gramos de inocencia), cuesta ver a personajes mínimamente simpáticos; son personas que, mejor o peor, buscan adaptarse a las circunstancias, sea por impotencia, insolencia, insensibilidad, o por pura defensa... serán ellos quien consciente, o inconscientemente, harán perder a Michel y Élisabeth sus últimos rescoldos de inocencia, esa misma que vinieron a buscar al palacio...

Aunque sea el segmento de entreguerras el más fascinante visualmente hablando, probablemente sea también el más arrítmico, en gran parte debido a la mudez de André Dussollier (ni una sola línea de diálogo!) y a la mediocridad del trabajo de Fanny Ardant, compensado por las secuencias entre Michel (Raimondi) y su padre Zoltán (Fainsilber), uno de los mejores y más marcianos personajes del director... si Resnais anda suelto por el segmento de Raimondi, en el de Élisabeth no sólo respira Gruault, sino Rohmer por los cuatro costados. Un Rohmer mucho más cruel y deslabazado, pero con las excelentes aportaciones del primerizo dúo Azéma-Arditi; su personaje, el supuesto revolucionario, resulta ser un cobarde resignado.. No, ni para él, ni para la moderna de Winkle, ni para Guarini la vida es una novela.. aunque él tendrá el cinismo de afirmarlo ante su octoagésima conquista. Al final son ellos los que salen adelante, y los ideales se quedan en los castillos de las Ardenas...

La Vie Est Un Roman
Dirección: Alain Resnais
Guión: Jean Gruault
Nacionalidad: Francia
Año de Producción: 1982 (estrenada en 1983)
Duración: 106 minutos
Intérpretes: Sabine Azéma, Ruggero Raimondi, Pierre Arditi, Vittorio Gassman, Fanny Ardant, Geraldine Chaplin, Samson Faimsilber, Jean-Louis Richard, André Dussollier
Nominada al césar a la mejor actriz secundaria (Sabine Azéma), y al mejor diseño de producción.

2005-11-11T23:30:00.000+01:00

Original esto de poner la portada del álbum, eh? Bueno, entrando en materia, después del exitazo de Hong Kong Garden, imagino que las expectativas ante su debut debían ser estratosféricas, tanto para el público como para la compañía, una especie de resurrección del punk ahora que Sid Vicious andaba más muerto que vivo, y a Lydon empezaba a írsele, al menos para lectores de NME...

Afortunadamente para el resto de los mortales, el resultado es bien distinto; el grupo se olvida de la luminosidad, de la necesidad de gustar -nada hay por aquí que parezca preconcebido como single- pero sin por ello pasar al cripticismo más absoluto; puede que no tanto por intención como por limitaciones lógicas en unos debutantes aún inseguros (aparte de lo ya comentado sobre algunos miembros concretos de la banda en el post referente a Hong Kong Garden), pero el efecto es beneficioso; el grupo baja las revoluciones, y aun sin capacidad de crear atmósfera, las letras de Siouxsie encajan ahora mucho mejor en el envoltorio.

Pero no sólo sus letras; el álbum incluye una versión de Helter Skelter (de The Beatles), que por extraño que parezca (y aunque malicia no estará de acuerdo) destaca ligeramente por encima del conjunto, aunque sólo sea por la descarga de adrenalina correspondiente.. El resto, dejando a un lado la intro, se podría dividir entre un primer tramo más básico, y un segundo tramo ligeramente más elaborado. Aunque Jigsaw Feeling, o la misma Helter Skelter tienen pegada, temas como Mirage o Metal Postcard mostraban cierto avance, más acentuado si cabe en Switch; un primer acercamiento a su sonido posterior.

The Scream no sólo nos mostraba a unos debutantes en estado de gracia, sino que como diamante en bruto que viene a ser crea muchas esperanzas respecto a posteriores trabajos de la banda... sólo hay que pensar en el enorme salto de calidad que daría la banda -y la voz de siouxsie- en años venideros.. pero eso no es lo que nos ocupa aquí, por ahora Siouxsie parece estar demasiado ocupada certificando el estado vegetativo del punk...

Siouxsie and the Banshees - The Scream (1978)

2005-11-11T01:04:00.000+01:00

¿Qué más quiere un matrimonio tranquilo en Venecia que evitar encontrarse con un par de ancianitas con poderes videntes? desde luego, formar parte del reparto de un film de Nicolas Roeg... difícilmente pondrá uno los pies en la ciudad de los canales después de las andanzas plasmadas por el realizador británico, pasearía, cenaría tranquilamente en uno de esos locales tan decadentes y encantadores como en el que se dormía Maggie Smith en Mujeres en Venecia, admiraría las iglesias... pero seguiría encontrándose, en cualquier canal, con la caperucha roja de su diapositivas nada de lo que haga, aún conociendo su futuro, posibilitaría que sus tribulaciones llegasen a alguna conclusión racional. Así que la próxima vez alquilen un apartamento, o vayan en temporada...

O manden al carajo Venecia, y su aprecio por Donald Sutherland -en la época en la que aún le dejaban hacer de pobre hombre- y disfruten viéndolo sufrir, asfixiándose por cortesía no sólo de Venecia, sino de las oscuras artes de Roeg como antiguo cinematógrafo -si pensaron que están curados de espantos ante cualquier lavabo, piensen dos veces-, o por la simple condición de turista del hombre en cuestión (qué mejor lugar para azuzar nuestras neuras, nuestros miedos, que en lo desconocido?). Disfrutar sufriendo, más bien; conforme avanza la película, se hace imposible no introducirse en él; Roeg se encarga de que compartamos su angustia, su tensión, sus ideas descabelladas, o incluso cierta euforia suicida. Lástima que esta catarsis no se amplíe a la famosa escena de cama con la Christie... que será, afortunadamente, lo único que lamentar de esta suerte de viaje alucinógino estilo burgués.

Y sí, al igual que en este artículo, a Roeg se le va la historia de las manos a menudo...

Don't Look Now
Director: Nicolas Roeg
Nacionalidad: Reino Unido
Año de Producción: 1973
Duración: 116 minutos, aproximadamente
Intérpretes: Donald Sutherland, Julie Christie, Clelia Matania, Hilary Mason

2005-11-08T22:58:00.000+01:00

1978; los Banshees firman un contrato -al fin- y sacan un single, el que nos ocupa, que llega al top 10. Es fácil ver por qué llegó al top 10 y a un servidor no le entusiasma especialmente; la idea es hacer un single a lo Sex Pistols, sólo que en vez de predicar la anarquía total, absoluta -y más bien ridícula- vamos a hablar de locales de comida china y a dar saltitos mientras cantamos. Así pues, cual saltamonte siniestro se presentaba al mundo definitivamente Siouxsie Sioux, esa chica que tu madre te prohibirá tener a menos de medio de kilómetro de distancia, pero que por eso no va a dejar de salir en el Top of the Pops.

Si uno no ha quedado lo suficientemente anodadado por los brincos de Siouxsie, o la superposición de imágenes, aún tiene delicias que disfrutar, caso del guitarrista, un hombre que parece recién aterrizado de un ensayo con My Bloody Valentine... sí, es fácil calificar a Hong Kong Garden de desastre, pero sería igual de fácil calificarla de chorrada con encanto. Al igual que aún nos queda Severin y su eterna expresión críptica, los Banshees, aún en su cavernícola formación pre-Budgie, ya guardaban ases de cierta entidad en la mano; un LP, en concreto...

(Siouxsie and the Banshees - Hong Kong Garden)

2005-11-04T00:27:00.000+01:00

El Amante del Amor (o como debería titularse, El Hombre que Amaba a las Mujeres) comienza con el funeral del protagonista -el enorme Charles Denner; él es la película-. A él sólo asisten mujeres, decenas de ellas, que desde su tumba le dejan la que siempre fue su visión favorita; la de sus piernas desfilando en el último adios. Hay algún extraño tipo de simbiosis entre Bertrand Morand y el género femenino, más allá de la de cualquier donjuan; ellas se encuentran al hombre perfecto; impecable, caballeroso e irresistiblemente seductor; él se encuentra a la mujer, sea joven, madura, en la encrucijada (una maravillosa Geneviève Fontanel), delgada, sumisa, peligrosa (de nuevo Nelly Borgeaud, si acaso aún mejor que en Mi Tío de América).. él no las ama tanto como las adora y necesita para descubrir las siempre cambiantes sensaciones que le otorgará cada una, mucho más de lo que puede darle su trabajo como ingeniero. Sólo durará una noche, presumiblemente, pero de esa forma será una velada única para ambos, que no tendrán que presenciar el deterioro prolongado de su vínculo. Ningún donjuan es perfecto u originario, bien podría habernos ahorrado Truffaut la secuencia con Leslie Caron.. pero Morand, el hombre que amaba de tal manera la figura de la mujer, siempre que no llevara pantalones, que era imposible verle con otra compañía que no fuese la femenina, murió de la única manera posible, por y entre mujeres, las únicas que, como la dulce rubia que observa la procesión de féminas por el camposanto, llegaron a comprender mínimamente a tan fascinante individuo... uno de los filmes más bellos de Truffaut, y eso es decir mucho..

L'homme Qui Aimait les Femmes
Director: François Truffaut
Nacionalidad: Francia
Año de Producción: 1977
Duración: 120 minutos
Intérpretes: Charles Denner, Brigitte Fossey, Nelly Borgeaud, Geneviève Fontanel, Nathalie Baye, Leslie Caron

2005-11-03T00:19:00.000+01:00

Bueno, Una Historia de Violencia... ha sido mejor plan que acabar entre masas humanas celebrando, supuestamente, Halloween (hay que ver lo bien que se nos da encontrar excusas para alcoholizarnos). Tengo la impresión de que esta unanimidad crítica en torno a la película irá desmoronándose con los años, al igual que la película posiblemente se desmorone en repetidos visionados.. pero eso ya es buscarle tres pies al gato. La supuesta reflexión de Cronenberg respecto a la violencia es bien simple -sólo hay que ver la subtrama del crío-, al igual que la historia, probablemente previsible; pero sí que es tremendamente efectiva en mostrar como se larva y acaba explotando la violencia en un hogar que podría ser sacado de un film de John Ford...

En fin, qué forma más desastrosa de recomendar una película, poniendo a Viggo Mortensen como el nuevo John Wayne jejej... claro que John Wayne no se marcaría ese espectacular polvo en las escaleras con Maria Bello, quien brilla a la misma altura de Mortensen; ambos son seres deformados por el impacto de la violencia, que les convierte en poco más que animales tratando de salvar a la manada... un Cronenberg con piel de cordero.

Y este fin de semana Woody Allen, si consigo vender la moto, lo que ya se ve que no se me da muy allá...

P.D. Vaya forma de malgastar a William Hurt..

2005-11-01T11:44:00.000+01:00

Mi Tío en América es, posiblemente, la película más exitosa comercialmente de Resnais. La pobre alma cándida que se introdujese en la sala sin reparar en que al fin y al cabo es Alain Resnais quien está a los mandos, quedaría anonadada en tiempo récord. Lógicamente, porque precisamente eso parece pretender Resnais desde un primer momento: dejar claro que formalmente, Mi Tío de América sigue siendo el documental destinado a ilustrar las teorías sobre el sistema nervioso del profesor Henri Laborit, con la especie humana como principal ejemplo, lo que hace que durante este primer tramo del filme veamos, aparentemente, al Resnais aventurero: la acción de los personajes, mientras estos van pasando de la niñez al momento en que se desarrollará realmente la acción se subordina a las digresiones de Laborit.. cuesta ver en ellos algo más que sujetos a estudio, modelos de conducta (un campesino, un burgués, una proletaria), si bien es cierto que es en este tramo, desde la rigidez de la cámara de resnais y las lúcidas observaciones del profesor, cuando descubrimos ya los patrones de conducta que determinarán el resto de la acción.

Al igual que en Smoking/No Smoking, hay una marcada distancia entre el ojo de Resnais, que nunca se implica en la acción, y las tribulaciones de los personajes. Teniendo en cuenta este patrón, resultaría lógico pensar que Resnais se disponga a rodar la "adaptación" de un documental inexistente, pero no es así; los objetos a estudio van cogiendo presencia a medida que su psique va haciéndose más madura y compleja, hasta la desaparición de Laborit cuando los tres personajes alcanzan la cima de sus ambiciones. Es aquí donde finalmente advertimos que hay otra mano detrás de la acción, la del guionista habitual de Truffaut Jean Gruault, una curiosa pareja para Resnais, pero la que da sentido al filme; no tendría sentido analizar la especie humana sin poder acceder a sus emociones, y Gruault es el encargado de plasmarla con la suficiente inteligencia como para hacernos partícipes de sus avatares. Gruault los humaniza y vulgariza, ya que no encontramos a ningún héroe aquí, tampoco villanos; esas distinciones sólo están en el interior de los personajes, en sus emociones, plasmadas magistralmente a través de escenas del actor favorito de cada uno (Danielle Darrieux, Jean Marais, Jean Gabin).

Así pues, por obra y gracia de Gruault encontramos, siempre mediante el fascinante prisma de Resnais, a 3 personajes; el director de un medio de comunicación público, una prometedora actriz de teatro, y el capataz de una factoría, interpretados respectivamente por el adecuadamente mediocre Roger Pierre, la bella y brillante actriz (y no tan brillante directora) Nicole Garcia; y un Depardieu en estado de gracia -una pena que Hollywood lo malograra irremediablemente-. Tres personajes expuestos a situaciones de creciente estrés y nerviosismo: parece que sus existencias no dieran más de sí, encerradas en una irremediable espiral descendente, a causa de que Garcia, Pierre y Depardieu actúan como si realmente fuesen sus ídolos cinematográficos; su relativa ingenuidad resalta frente a las cuestiones a que se enfrentan: una mujer despechada (magistral escena la de Nelly Borgeaud en una escalera), el devenir de la política o la reestructuración económica. Unas situaciones que a nosotros nos pueden parecer irreales, pero no lo son para los personajes que las sufren...

Sin embargo, cuando se dan cuenta de que el agua les ha llegado al cuello (como en la que sin duda es la mejor secuencia de la película, con Garcia y Pierre en el islote de este último) ya será demasiado tarde para volver al punto de partida; los 3 buscarán algún tipo de reacción, una reacción inutil y absurda con la que absolverse, y sólo les quedará mirar hacia un tío de américa que, como ellos saben perfectamente, no existe, pero no será Resnais quien se lo recuerde...

Título: Mi Tío de América (Mon Oncle D'Amerique)
Dirección: Alain Resnais
Guión: Jean Gruault, a partir de las teorías del profesor Henri Laborit.
Nacionalidad: Francia
Año de Producción: 1980
Duración: 126 minutos
Intérpretes: Gérard Depardieu, Nicole Garcia, Roger Pierre, Nelly Borgeaud, Pierre Arditi, Henri Laborit
Palmarés: Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia. Nominada al oscar al Mejor Guión Original.

P.D. Henri Laborit tiene pinta de haber sido un tipo interesante, que se iba por los cerros de úbeda a la mínima (Jean Gruault cuenta en la entrevista adjunta al dvd que Laborit se enrollaba tanto en sus intervenciones que Resnais y él tuvieron que esquematizárselas... no deja de ser curioso que a uno le marquen cómo expresar sus propias ideas.

Por otra parte, la entrevista a Jean Gruault es muy interesante, casi justifica comprar el dvd... habla de las peculiaridades de Resnais (que son unas cuantas), de cómo se gestó y estructuró el filme, de por qué un actor sin experiencia en el drama fue la elección perfecta para un papel dramático... o ver la admiración que director y guionista sentían por Nicole Garcia.

2005-10-22T01:12:00.000+02:00

Sí, tiemblen... Richard 23 está lanzando sigilosamente la red para cazar al hombre (a la humanidad? a un amargado que pasaba por allí? a un turista despistado?), y lo hace comiendo huevos y poniendo muecas que le hacen a uno pensar qué saldría de la mezcla de talentos de Buñuel y Cronenberg... toma metáfora de la voracidad de las sociedades desarrolladas!. En fin, no sabemos si ellos lo tienen del todo claro, o si Anton Corbijn tenía alguna idea de lo que estaba plasmando en el, por otra parte, brillante clip que filmó para el tema. No cabe duda de que Corbijn y los Codenys y compañía estaban hechos para acabar trabajando juntos; ambos saben sacar el máximo partido a la estética, al cómo, de tal forma que el qué importe más bien poco (porque está bien disimulado; esos supuestos mensajes antisistema de los Front; ese aire trascendental de los vídeos de Corbijn) todo parece formar parte de una estética cuidada hasta el mínimo detalle.

Ahora bien, eso no ha de ser un problema, necesariamente; no todos hemos nacido con el talento de Leonard Cohen. Ni falta que hace, puede argüirse... porque incluso la estética, bien cuidada, tiene algo que transmitir; los mensajes de las letras de Front 242 podrán ser telegráficos, inconexos, pero incluso sin entenderlos en absoluto crean una sensación de desasosiego, a la vez que una irresistible invitación al baile, a la extroversión insana frente a la introspección racional de lo sin duda más brillantes, pero no tan entretenidos Kraftwerk. Un baile que, desde luego, no merecería la aprobación de Vincente Minelli, pero que sería la evolución natural de Duran Duran; si es que ciertamente deberíamos estar pululando con Hungry Like the Wolf al caer la bomba, ¿qué mejor para después del holocausto que unos Kraftwerk pasados de rosca que nos harán bailar como locos a ritmo de mutilaciones y tráfico de personas?. Sí, la cuestión es dejarse llevar..

También se deja llevar Corbijn por un universo de presas humanas y huevos cocidos (¿?), con logros estéticos como el del primer estribillo, en el que vemos a Richard 23 haciendo la cuenta hasta 4 a la vez que la presa del huevo cocido huye, y la banda se dedica a hacer el ganso... pero eso no importa en absoluto, ya estás en su mundo, en un mundo en que los edificios de oficinas pueden esconder silos nucleares, o en los que el atomium, ese armatroste de acero, puede resultar inquietante incluso... en el mundo en que los fans de Sisters of Mercy parecen eso, hermanitas de la caridad, y de ahí, afortunadamente no te sacan ni las hidras, porque quién quiere realidad, teniendo a los Front...

Front 242 - Headhunter (1988)

Vídeo dirigido por Anton Corbijn.

P.D. Perdón por el bajón de calidad, todos tenemos derecho a posts mediocres, no?

2005-10-19T16:32:00.000+02:00

Celia Teasdale duda si fumar o no un cigarrillo, y según la decisión que toma, su vida y la de los que la rodean dan cambios incluso radicales... bajo esta premisa del "y si?" que puebla toda la película -y que hará las delicias de los que de pequeños devoraban aquellos libros de tapas rojas con tropecientos finales absurdos a unas aventuras ridículas... ahora resultará que soy el único, y todo- se construye este film de pluma claramente británica, y sin embargo realizada con un equipo íntegramente francés.

Lo que al final viene a importar bastante poco, ya que la obra de Alan Ayckburn en que se basa viene a tratar temas que encajan a la perfección con otros guiones del tándem Agnès Jaoui - Jean Pierre Bacri; aquí los innumerables posibilidades que se abren tras la decisión de Celia no son tanto fruto de cómicas casualidades -más propias de una comedia de Doris Day- sino que, al igual que la señora Teasdale al principio del film, se debaten entre la tentación y lo seguro, tentaciones o miedos que harán surgir innumerables conflictos entre los personajes, conflictos prácticamente irresolubles que quizás no habrían estallado si Miles Coombes llegase 40 segundos más tarde a casa de los Teasdale, o si Toby Teasdale hubiese propuesto unas vacaciones en lugar de un paseo. Aunque no nos revele ninguna gran verdad humana, es fascinante observar cuánto se puede llegar a ocultar bajo fachadas impasibles, frívolas, paletas o sencillamente patéticas...

A pesar de ello, esperar una precuela de Para Todos los Gustos, con la generación de sus hermanos mayores atravesando la crisis de los 40, no tiene mucho sentido si recordamos que por muy septuagenario que sea, el autor de Providence no responde precisamente al rol de mero artesano... Resnais no tiende tanto hacia el análisis de personajes como sus guionistas; y ciertamente las andanzas de los Teasdales, Coombes y Hepplewickes están subordinadas a la película (o a la obra de Ayckbourn, para el caso) no son ellos a los que la trama va siguiendo. Y es que parece más propio de Resnais deconstruir las conductas humanas, en vez de plasmarlas y analizarlas. Puede que el realizador francés no juegue con ideas propias, pero está claro que le encajan a la perfección, tomando sólo a dos intérpretes (los sublimes Sabine Azèma y Pierre Arditi; parece que a este nivel es al que siempre han aspirado los Bacri y Jaoui actores) que se desdoblan hasta en 9 personajes, y sobre todo, manteniendo una puesta en escena muy teatral, logra una distancia entre la obra y el espectador, la suficiente como para que éste no se vaya por las ramas, y tire directamente hacia los personajes, o hacia el juego organizado en torno a ellos.

La cámara de Resnais está subordinada al texto la mayor parte del tiempo, lo que hace que el lucimiento venga por parte de los actores y guionistas; sin embargo, esa rigidez es aparente, en el sentido de que es concorde a la obra, al tratar esta con cierta frialdad a sus personajes; en los pocos momentos en que esto no es así, se nos hace saber, y magistralmente, como cuando uno de los personajes de Sabine Azèma (ya no recuerdo cuál, este alzheimer...) habla distraídamente con Miles Coombes, y de repente Resnais se sale de plano, haciendo una especie de parábola que vuelve lentamente hacia el rostro abstraído de Azèma en primer plano. Quizás en lo que vengo intentando comentar reside una de las principales virtudes de la película; funciona tanto como el divertimento de un juguetón Resnais como un estudio más trascendental sobre las inseguridades del ser humano. Y si a eso le añadimos gags continuados como los Cobertizos en No Smoking, las Panaderías en Smoking, el genial ataque nervioso de Celia Teasdale, o las incontables coñas en torno a la inscripción funeraria de Joseph John Hepplewicke, hacen de esta película una parada imprescindible para todo aficionado al cine europeo con ganas de descubrir talentos superlativos, porque esta película rebosa de ello... Ah, háganse un favor, y véanla en versión original.

Título: Smoking / No Smoking
Dirección: Alain Resnais
Guión: Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri, sobre la obra de Alan Ayckbourn
Nacionalidad: Francia
Año de Producción: 1993
Duración: 139 minutos (Smoking) 141 minutos (No Smoking)
Intérpretes: Sabine Azèma, Pierre Arditi
Palmarés: Oso de Plata en Berlín (por su originalidad), 5 césares (Película, Director, Guión, Actor (Arditi) y Dirección Artística

2005-10-13T02:31:00.000+02:00

Joe Frady cree que podrá engañar a la Parallax haciéndose pasar por un asesino en potencia, desentrañar los secretos de la compañía y sacar un reportaje a la altura del de Woodward y Bernstein... ¿acaso no lo hacía Robert Redford en sus thrillers? ¿no se enfrentaban Alan Ladd o Gary Cooper al mal en la más absoluta soledad? ¿O Dean Martin, ex-alcohólico como él, no lograba increíbles proezas en Río Bravo? Así que, ¿cómo no iba él a vengar a su ex, y lograr la gloria por el camino?.

Supongo que Frady no puede ser consciente que con quien se está jugando los cuartos es con un Pakula en plenitud de facultades, y con unos malos que son -qué curioso- seres pensantes... Frady, un ególatra fracasado y ex-alcohólico, tarda demasiado en darse cuenta que su grandioso plan le supera con una facilidad pasmosa. Y así, en la segunda mitad del filme no tenemos ya a Robert Redford, ni a Alan Ladd siquiera; tenemos a un hombre corriente, incapaz de parar los acontecimientos que pasan por delante de sus ojos, tan inmerso en esa temeridad como para reparar en que su enlace -una especie de senador Palpatine haciendo de funcionario- la única cara de Parallax que él conocerá, es mucho más lúcido y experto que él.

Todos parecen saber qué va a ser de él, de ese individuo patético que resulta ser tremendamente útil. Todos menos el propio Frady, que quizá preferiría verse arropado por un Sidney Pollack que lo rescatase, que lo llevase a una gloria atípica... pero Pakula no ve ninguna necesidad, lógicamente: ¿qué hace un simple ciudadano metiéndose donde no le llaman?. En fin, demasiado John Ford...

2005-10-07T02:27:00.000+02:00

La Deneuve os desea un feliz y hemoglobínico fin de semana...

2005-10-05T02:21:00.000+02:00

Bueno, se supone que todos los personajes son en realidad muñecos dirigidos por un par de manos expertas hacia la fatalidad, como si esto fuera un melodrama de Douglas Sirk.. y bueno, la verdad es que si quitamos barrios residenciales y añadimos yakuzas, la cosa no parece tan disparatada. Es más, los yakuzas tienen una intervención más bien anecdótica en el filme, formando parte de una de las dos historias convenientemente cortadas a tijeretazo limpio en favor de una tercera.

Nosotros vemos a Sawako y Matsumoto, esos dos amantes errantes y marcados por la tragedia, la discapacidad y la culpa, caminando unidos por parajes siempre idílicos. Tiene que ser así, estando dentro del formato tradicional de los muñecos de marras (a ninguno con un mínimo sentido común se le ocurriría ambientar un cantar de gesta en digamos... la gestación del estatuto catalán), pero no es la forma en que ellos lo ven (si es que los consideramos más que muñecos; los considero, al menos, tan teledirigidos como podamos serlo nosotros); ellos deberían de ver su periplo de una forma más bien gris; Matsumoto no se separará de ella desde que la encuentra, perdida, rendida, en el hospital, pero no podrá purgar su culpa ante esa sombra de su amor, más que viviendo única y exclusivamente para ella. Por su parte, Sawako está en su nebulosa; los cartuchos que él se ve abocado a gastar ella ya los ha agotado; no queda lugar para la rabia, siquiera para el recuerdo, quizá.. ni queda ninguna de esas ridículas risas que dejaban al descubierto, todo hay que decirlo, una dentadura bastante terrible...

Si Sirk anduviese vivo, y aún creyese en la lucha de clases probablemente buscaría en sawako a una heroína trágica. Falta de lógica no tendría, pero quizás no se daría cuenta de que sawako ya está controlada por esas manos expertas de los titiriteros, que no queda lucha alguna por librar en espera del fin. No... aquí no hacía falta ninguna Isabelle Adjani, y Kitano se percató de ello...

2005-10-03T02:12:00.000+02:00

Es probable que la inmensa mayoría de espectadores que asistieron a ese intento de película que viene a ser Sr. Y Sra. Smith (en opinión de servidor) no fueran capaces de discernir el lado oscuro del punto de partida del mismo; eso es Hollywood, y el matrimonio Jolie-Pitt resuelve sus diferencias, frustraciones y demás (no demasiadas de todas formas; tampoco es cuestión de abrumar al espectador) con Kalashnikovs y demás cachivaches al estilo Misión Imposible..

En fin, el punto de partida de ese esbozo de filme no es muy diferente al estado del matrimonio entre Mark y Anna al iniciarse La Posesión. Zulawski se traiciona ligeramente, al no acostarse con su protagonista (para satisfacer a la diva ya estaba su director de fotografía), y abandonando el habitual tono melodramático de sus filmes, cosa que podría resultar traumática para un director con su rutina (como si Almodóvar hiciese un thriller político y no pudiese colar travestis..) si no fuera porque el cambio es en la superficie, lo que no descarta que tuviese a Bruno Nuytten en su lista negra...

Así, nos introduce en la pesadilla de la descomposición de un matrimonio, y a su posterior e insana reconstrucción sin caer en demasiados lugares comunes - quizás esté relacionada, a kilómetros, con Días de Vino y Rosas -. Anna pasa de cuando en cuando por casa de Mark, ella cada vez más desequilibrada, pero también él, incapaz quizás de comprender por qué lo abandona, a él, a su amante y a su hijo, hasta el punto de que esa necesidad que expresan ambos de dar sentido a sus vidas va traduciéndose lentamente en la insanidad como único modo de comunicación, como cuando Anna intenta degollarse y Mark, tras curarle la herida dedicadamente, la corresponde haciéndose cortes en el brazo con el mismo cuchillo..

-"No Duele"

-"No..."

2005-09-29T01:54:00.000+02:00

Hay pocos tipos tan guays com David Sylvian. Leches, si esta imagen es perfecta, aun cuando lo único que vemos es su carácterístico peinado.. y bueno, lo referido en el título del single que aparece dibujado tras Sylvian.

Dentro de un disco tan genial como indeciso como es el Brilliant Trees, sacó de primeras el mejor tema posible para las radios (teniendo en cuenta que Pulling Punches era demasiado Japan). Sin ser un tema que enganchase a la primera, el tema iba envolviendo al oyente de la misma forma que la instrumentación iba ganando en riqueza, desde la simple percusión inicial hasta el clímax del estribillo, si bien no dejaba de ser en ningún momento el perfecto acompañamiento para la voz de Sylvian, que domina magistralmente el tema (al igual que lo hace en las mejores canciones del álbum) y demuestra al resto del mundo (no creo que su ego admita muchas dudas) que lo mismo daba Mick Karn que Holger Czukay.

Todo esto, acompañado de un impecable y convenientemente esteta vídeo de Anton Corbijn (al igual que con Bryan Ferry, importa algo más el estilo que la sustancia) permitió a Sylvian seguir paseándose momentáneamente por el circuito comercial sin por ello dejar de hacer lo que le daba en gana. ¿Hay algo más guay que eso?

2004-12-05T02:01:00.000+01:00

cagondios